艺术自由与存在者的存在法广网

在人工智能制造的信息洪流中，艺术何为？当算法日益渗透人类的感知与表达，艺术家如何守住意识的自主，安放灵魂的“本在”？这不是一个抽象的哲学追问，而是每一个创作者当下必须直面的现实处境。

2025年7月5日，巴黎「自由谈」沙龙荣幸邀请台湾艺术家廖芊乔、赖志盛与东道国艺术家杨天娜、杨诘苍莅临沙龙，进行演讲和跨国对谈。

杨诘苍在巴黎「自由谈」沙龙演讲 2025年7月5日安琪提供照片 © 安琪“自由谈”沙龙图片

这场跨疆域艺术对话，比想象中要复杂，也比想象中更有意味。海峡两岸的艺术家，共享同一套文字，却携带着各自不同的历史重量：一边是在巨大压力下被锻造出的密度与张力，一边是在自由降临之后重新寻找开口理由的茫然与探索。两种不同的存在处境，孕育出只有在各自土壤中才能生长的事物。前者的重量无可取代，后者的开放性同样珍贵。两种机制的相遇，本身就是一个关于艺术如何发生的深刻命题。

由此衍生出许多真正重要的问题：审美的断裂与修复，自由的重量，地缘的差异，洗脑的内化，时间差的错位，现代性来源构成的因素，以及在缝隙里悄然生长的第三种艺术家。这些不仅仅是艺术的问题，也是关于一个人如何在历史的重压或自由的空洞里，重新找到与世界之间诚实的感知关系。

或许，这场沙龙对话本身，就是那条裂缝里透进来的一线光。

也因此，这是一篇迟迟写就的文字----直面差异与不对等，是成文的要旨。

四位艺术家从不同方向逼近同一个核心命题“艺术自由与存在的本质”。廖芊乔以声音与语言实验为我们提供哲学工具和概念框架，辨析“非意义之意义”背后的思想结构；赖志盛以隐形劳作与身体感知，将被日常遮蔽的存在重新带回可见之处；杨诘苍以「千层墨」所承载的历史纵深与个体精神，追问创作者如何在时空中建立自己的坐标；杨天娜则以策展人与艺术史学家的双重身份，为这场对话注入方法论视野与长期实践的智慧。

四位来自法、德、中、台的艺术家与思想者所论，路径各异，却指向同一个信念：艺术的最高境界，就是自由。

语言的边界与自由

廖芊乔的演讲，缘于2021年10月16日的相识。当时正在等待论文答辩的她，与夫君江荐新有缘来到巴黎「自由谈」沙龙，大家一见如故，相约荐新翌年2月前来演讲。然而两个多月后，荐新突发脑溢血，猝然离世。

此后三年，芊乔怀着对荐新的深深思念，沉浸于翻译、教学、研究与创作之中，独自延续两人共同的志业，一件件做下去。正是这段经历，构成了她思想探索的情感底色。她一直追问的问题是：艺术家与哲学家之间，究竟能产生什么？她此时的到场，也是兑现当年对荐新的承诺。

芊乔在巴黎第八大学取得哲学博士学位，与荐新合译德勒兹《差异与重复》（Gilles Louis René Deleuze，《Différence et répétition》），返台后在多所大学授课，并独立完成了新著繁体中译本《意义的逻辑：致爱丽丝》，探讨艺术与语言的关系。她说：“我一直以来都在找答案，因为不可能有答案，我只能找到一个比较接近的。这个问题是：我如何从一个艺术家成为一个哲学的研究者？艺术家和哲学家的关系到底是什么？他们互相会产生出一种什么样的东西？”她的思考，始终在艺术与哲学的交界之处。

"空"：不是留白，是强度

芊乔首先区分“艺术语汇”与“艺术语言”。语汇包含使用方式，存在于实践层面；艺术语言则不以沟通为目的，可能存在于无意义的状态。这个区分引出她的核心命题----“空”。

想象一个人站在空旷的雪地里，还没开口，还没迈步。那一刻的寂静，不是“什么都没有”，而是“什么都还可以发生”。芊乔所说的“空”，正是这种质地。

援引德勒兹的观点，“空”处于动词状态，尚未被时间赋形，存在于感知最原初的层面，有别于康德所说的多重感官综合统觉。传统绘画的“留白”只是把空白客体化。真正的“空”则不同，艺术家必须超越想象力，在某种强度之下，才知道哪里必须留白。这既非纯粹意识的决定，也非无意识的偶然，而是一种非人称的感知在驱动。换言之，那个“空”不是你决定的，也不是偶然落下的，而是在某种强度中自己显现的。

她说：“我喜欢谈‘强度’，它好像在一个非人称的状态，不是在你、我、他的人称之下去创造这样的一种‘空’。”

理想游戏：移动的规则

芊乔在演讲中提及年轻艺术家黄萱的创作，印象深刻：黄萱不让影子跟着自己走，而是跟着影子走。光线变了，影子转向，她就跟着转。没有预设路径，没有固定目的地，只是主动把自己交给偶然。

这个画面，正是德勒兹所说“理想游戏”最轻盈的注脚。德勒兹说，理想游戏无法被人或神实现，只能被思考。芊乔认为，这恰恰是艺术的写照：艺术家像哲学家一样建立规则，

又像孩子一样不断改写规则——当快要输了，就说“不算不算，我要换”，中心点持续移位，在移动中保持自由。艺术因此成为社会批判与行动的场域，是对抗僵化结构的“幽默语汇”。

芊乔引用尼采在《查拉图斯特拉如是说》中的比喻作为补充：“人生初始就开始背债，像骆驼一样负重，当无法再负重时，那就跳舞吧。”跳舞可以让重心偏离既定中心，思想才有可能真正自由。黄萱跟着影子走，正是这种放弃掌控、拥抱转向的舞步，在失去中心的瞬间，反而得到了最大的自由。

赖志盛：空间干预与身体感知的“隐形劳作”

所谓隐形劳作，是让受遮蔽的事物获得彰显，在存在中发现存在，在空间中发现被遮蔽的空间，传递艺术行为的正在进行时。它不是制造新的东西，而是揭示“让事物得以发生”的条件本身。

赖志盛十六岁开始当建筑工人盖房子，一直做到三十岁左右，前后十五年。砖块、管线、墙体、空间结构，这些是他最早的语言，是用身体学来的，不是读书读来的。三十二岁，他取得台南艺术大学硕士学位。此后转入设计、录影、拍照等工作，2012年起专注艺术创作。

那十五年的劳动经验，渗入了他对空间的直觉：哪里有张力，哪里被忽视，哪里藏着一个被遮蔽的关系。他的创作，某种程度上是泥瓦匠的眼睛长出了哲学家的触角，其核心在于对空间的敏锐感知与干预。他喜欢在空间或风景中做细致的艺术干预，通过装置、雕塑等方式探讨日常生活张力与个人经验，让观众与作品产生身体和感知上的互动。

空间干预的三个瞬间

赖志盛：“我在空间里放了一只蚊子”2023 资料图片 © 安琪“自由谈”沙龙图片

一只蚊子（香港，2023）

2023年，香港马凌画廊。一个5×5米的纯白空间，里面什么都没有——除了一只蚊子。观众进来，开始找它。找到了，盯着它看；它飞走了，目光跟着移动。整整一个多月，这只蚊子是这个空间里唯一会动的东西，也是所有人注意力的唯一焦点。赖志盛每天给它送水，把室温维持在30度，生怕它死掉。"我抓蚊子的时候，很怕把它抓死掉，手是空心的。"如果蚊子死了，工作人员就穿着短裤去再抓一只。

房东规定地毯不能移动，赖志盛就把东西藏在麻质地毯下，地毯因此微微隆起，投下一道阴影，让人联想到《豌豆公主》。他说，这里就是秘密，看你怎么看。在他眼里，它是高贵而“真实”的。两件事并置----蚊子与地毯下的隆起，共同构成这个白色空间里的全部场景。

这就是赖志盛。他不制造奇观，他制造一种状态，让你发现自己一直忽略的东西。

一块红砖（高雄，2020）

在1960年代老建筑的廊道栏杆上，赖志盛随手放了一块红砖——从拆下来的建筑材料里找到的。就这样，一块橘红色的砖，透过落地窗引入室内光影，让经过的人感到莫名的不安与压迫。

这块砖是他当年做泥瓦匠时天天接触的材料，代表他艺术生涯的起点，也是建筑工地的定城砖，暗含“边界”意味。随手放置，却精确击中。这个简单动作把劳动记忆、空间张力和身体感知压缩进一个静止的物件里。

他的作品常表现出强烈的拓展性与自反性，呈现为空间拓展和元素之间的新关系，同时关注“人造属性”和荒诞性。

水从四楼滴下来（高雄）

在一个四层楼的空间，赖志盛利用现场找到的蛛丝马迹进行创作，让水一滴一滴从四楼落下。房东同意展览后保留一些痕迹，“表示这里曾经发生过这件事”。观众可能只经历了作品的某个部分，但每个人带走的感受都不一样。

滴水不制造景观，它制造等待。在等待中，空间变得可感知，时间变得有重量。

赖志盛说：“我希望找到一种方式，一种抵抗这个世界原本的方式。不然艺术没有任何作用，只能是一种表达。”

隐形劳作，正是这种抵抗的形状：不喧嚣，不宣告，只是安静地让被遮蔽的东西重新出现。在这里，艺术已超越其技术形式，源于心灵，源于情感，像是捕捉如空气般的人的呼吸，给庸常的世俗生活赋予意义，给日子、给人、给生命赋予尊重。

“墨王”杨诘苍：一支笔行走天涯

杨诘苍是一位富有灵性和无限创造力的当代艺术家，也是一位具有独立人格和自由精神的人文主义者。

2016年5月，他曾在本沙龙演讲「书写的密语」，以大量作品图像叙述他的创作历程和理念，解读“密语”符号背后的内涵。杨诘苍讲究“艺术生态”，创作不拘一格，多元、全方位地展示艺术的多面性，体现了艺术家的自由精神和向艺术致敬的行动力。他说自己很早就走了一条“向内改造的独木桥”。从他的灵魂之作----1989年在蓬皮杜中心现场创作的「千层墨」系列，到之后的不断演进、变化，可见艺术家参透中国墨的艺术基因和灵感，以及个体的存在与反抗。他的反抗不是简单否定，而是极具建设性的“创造”，这构成了他艺术生涯的主线。

绝处逢生：「千层墨」的诞生与美学逻辑

1988年12月6日，杨诘苍的作品在深圳海关被扣押。

蓬皮杜艺术中心总监马尔丹（J.H. Martin）已将他选入次年4月举办的“大地魔术师”展览，作品却过不了关。幸运的是，他随身带了几支笔。馆长说可以通过外交部要回，但需要时间。诘苍说："没事，给我一个工作室就好，我试试看。"

几经周折，距开幕只剩一个多月，馆长给了他最好的工作室，每周寄来墨。人生第一次，买材料不用考虑价格，而此前，连买一瓶墨都要斤斤计较。他就这样不断涂抹，几层、几十层、几百层，发现墨不再是纯黑的，产生了一种从未见过的效果。「千层墨」，就这样诞生了。

杨诘苍：「千层墨」（（系列之一），1989，宣纸、墨汁、裱布，250 x 160 cm

“现在回想都后怕——假如海关顺利放行，展出那些抽象艺术作品，我自己都会不好意思。幸好被扣留了，逼我敢于创新。”（诘苍语，下同）

这个因祸得福的瞬间，是他整个艺术生涯最好的注脚：存在的压力，成为自由的入口。

作为20世纪末至21世纪初最具思想密度的水墨实验，「千层墨」在视觉与观念上的革新，可从四个层面展开：